Desde o surgimento dos video games, som e música têm sido uma parte importante da experiência. Desde os icônicos “blips” e “bloops” criados pelos chips de som dos fliperamas em Pac-Man, até os meticulosos métodos de composição do lendário tema “Overworld” de Super Mario Brothers, a música e o som têm um lugar especial na história dos video games.
Formas mais pesadas de música, principalmente dos gêneros rock e metal, têm sido uma constante nos video games. Jogos como Doom, Quake, Unreal Tournament, Grand Theft Auto e até Fortnite incorporaram música rock e metal em seus jogos.
Uma Breve Introdução à Música de Video Games
A década de 1990 foi um período de grande avanço tecnológico. Computadores domésticos eram quase onipresentes e a Internet estava em sua infância. Os video games seguiram uma trajetória semelhante: à medida que os consoles se tornaram um item comum nas casas, também a tecnologia necessária para produzir software para eles. Uma década antes, os consoles domésticos eram grandes e volumosos, exigiam um cartucho para jogar o software do jogo e tinham sons muito limitados.
Tudo isso mudou quando a Nintendo entrou na indústria com o Nintendo Entertainment System (NES). Para o propósito deste artigo, vamos truncar as vastas contribuições do NES e focar em uma: ele deu aos compositores de música um trabalho viável como designers de som e compositores de video games.
O tema “Overworld” de Koji Kondo, do Super Mario Brothers, já está gravado na história dos video games como a melodia mais reconhecível em um jogo. Tudo isso foi feito usando apenas 4 canais do Ricoh 2A03 (chip de som do NES), que era muito limitado em relação à capacidade dos sons que podiam ser usados.
Voltando aos anos 90, à medida que os chips de som se desenvolviam, também aumentava a capacidade de compor músicas mais complexas e intrincadas para jogos.
Os consoles de 16 bits Super Nintendo e Sega Genesis tinham chips de som avançados que podiam carregar amostras gravadas junto com os sons tradicionais que produziam. Isso criou uma técnica composicional híbrida em que a amostragem de fontes e o uso de sons eletrônicos se mesclavam.
Então, tudo isso mudou com a chegada do PlayStation (PSX) da Sony. Até aquele ponto, os jogos ainda eram carregados em cartuchos com muito pouca memória interna e dependiam do chip de som do console para ler os dados de composição armazenados no cartucho (exceto por alguns exemplos em que um chip de som também estava no cartucho). O formato de disco compacto (CD) do PSX significava que ele podia armazenar muitos dados, incluindo música e vídeos. Compor música para o PSX, consoles subsequentes e o PC nunca foi tão fácil.
Exemplos Precoce de Música Rock e Metal em Video Games
Os primeiros exemplos de música rock e metal em video games que posso lembrar são da trilha sonora de Mortal Kombat 2 para o Sega Genesis. A inclusão das variantes “Danger” dos temas de cada fase foi uma ideia genial. Devido à natureza dos jogos de luta serem um teste de paciência, entrar em uma zona de perigo (menos de 20% de HP) significava que a partida precisava ser jogada em um ritmo diferente.
Essa abordagem foi inspirada no Street Fighter 2 (SF2), exceto que para o SF2, o tema “Danger” era uma versão acelerada da música tema da fase. A abordagem de Mortal Kombat 2 era tornar a música mais pesada, adicionando pressão psicológica aos jogadores.
Gran Turismo, uma popular série de simulação de corrida para a linha de consoles PlayStation, incluiu músicas licenciadas de artistas de grandes gravadoras. A trilha sonora oficial de Gran Turismo 2, de 1999, e algumas das músicas incluídas no mesmo jogo eram de artistas como Filter (“Hey Man, Nice Shot”), Garbage (“I Think I’m Paranoid”), Hole (“Use Once and Destroy”), The Cardigans (“My Favorite Game”) e Creed (“Unforgiven”).
1999 também viu o lançamento da icônica série de skate Tony Hawk’s Pro Skater. Os dois primeiros jogos são considerados revolucionários devido às mecânicas de jogo introduzidas e à trilha sonora. Para o Tony Hawk’s Pro Skater 1, a trilha sonora apresentava artistas como Primus, Dead Kennedys, The Ernies, Goldfinger (cujo “Superman” se tornou um meme não apenas para os fãs de Tony Hawk) e Even Rude.
O segundo jogo da série, Tony Hawk’s Pro Skater 2, elevou o nível ao adquirir a licença de músicas de artistas como Rage Against the Machine, Papa Roach, Millencolin, Powerman 5000 e Anthrax. Essa tendência continuou na série principal e na série Tony Hawk’s Underground. No entanto, o recente remake dos dois primeiros jogos incluiu uma seleção diversificada de músicas de outros gêneros, juntamente com a trilha sonora dos lançamentos originais do jogo.
A série japonesa de jogos de luta Guilty Gear também incluiu rock e metal em sua trilha sonora. Na verdade, o jogo é fortemente associado ao gênero, então é impossível ter um jogo de Guilty Gear sem pelo menos uma faixa de metal. As músicas da série são feitas pelo seu criador, Daisuke Ishiwatari, e têm algumas referências às suas influências musicais. Por exemplo, a música “What do you fight for?” de Guilty Gear Strive intercala uma seção da música “Come Together” dos The Beatles no primeiro verso.
O lançamento de Grand Theft Auto mudou o cenário das trilhas sonoras de video games, pois apresentou não apenas músicas selecionadas de um gênero específico, mas também o conceito de escolher quais músicas o jogo deve tocar. Usando o rádio no jogo quando dentro de um carro, os jogadores podem escolher a estação de rádio para sintonizar com seus gêneros correspondentes; inspirando-se no jogo de corrida arcade, Outrun, onde os jogadores escolhem uma estação que contém uma música que se repete ao longo do percurso. Esse conceito alinhou-se bem com a natureza de mundo aberto de Grand Theft Auto.
No início, a música de Grand Theft Auto foi composta internamente por um trio de músicos conhecidos coletivamente como Da Shootaz. O jogo começou a usar músicas licenciadas para as músicas mais pesadas a partir de Grand Theft Auto IV. Esta edição usou músicas de Sepultura, The Smashing Pumpkins, Black Sabbath, Aerosmith, Deep Purple, AC/DC e Bon Jovi, entre outros. Perfeito para farmar sua conta de GTA V.
Esta série também popularizou a “trilha sonora personalizada” ao permitir que os jogadores coloquem arquivos de música na pasta de música do jogo para serem reproduzidos em uma estação de rádio dedicada.
Exemplos Modernos de Música Rock e Metal em Video Games
Seria um eufemismo se eu não mencionasse o impacto generalizado da série Guitar Hero e seus inúmeros spin-offs. O jogo foi projetado para ser a fusão perfeita de video games, música e educação. Incluindo músicas licenciadas, incluindo o catálogo muito elusivo dos Beatles, os jogadores agora podiam se divertir interpretando um músico. A empresa responsável por esses jogos, Harmonix, terá um impacto significativo mais tarde, como veremos neste artigo.
Enquanto estamos no assunto de educação musical e video games, gostaria de acrescentar que o video game moderno mais subestimado lançado é o jogo educacional de música da Ubisoft, Rocksmith. O jogo apresenta as mesmas mecânicas de Guitar Hero, mas a grande diferença é que os jogadores podem realmente aprender as músicas porque o jogo precisa de uma guitarra ou baixo para ser tocado. Eu joguei esse jogo e a ampla seleção e dificuldade progressiva das músicas me fizeram sentir como um iniciante. E isso considerando que tenho mais de 20 anos de experiência musical!
Historicamente, os jogos de tiro e ação têm uma trilha sonora de rock e metal. A trilha sonora de Quake II foi um contraste marcante com a música que Trent Reznor da banda de industrial-metal Nine Inch Nails fez para Quake I. Enquanto Quake I era ambiente, Quake II era pesado. Doom III também tem uma trilha sonora pesada. Gears of War incorporou tanto música ambiente quanto pesada. Unreal Tournament também apresentou rock e metal em sua trilha sonora, da qual tenho boas lembranças. Um dos jogos da série Halo teve músicas compostas pelo virtuoso da guitarra americana Steve Vai.
Outros gêneros de video games também incorporam sons mais pesados em suas trilhas sonoras ou licenciam músicas de artistas de grandes gravadoras.
Marvel’s Guardians of the Galaxy apresenta músicas dos anos 1980 e inclui artistas como Blondie, Tears for Fears, Europe, KISS, Iron Maiden e Rainbow. Electronic Arts também tem um histórico de incluir músicas rock e metal em seus títulos esportivos, desde NBA Live até a série FIFA, e agora FC 24. O mesmo pode ser dito da 2K Games para sua série NBA 2K.
O jogo de tiro battle royale da Epic Games, Fortnite, introduziu o Fortnite Festival como um jogo separado na série. O conceito de Fortnite Festival é semelhante aos jogos que a Harmonix produziu antes de a Epic Games adquirir a empresa. No momento em que escrevo, a temporada atual do Fortnite Festival inclui músicas da banda Metallica. As seis músicas incluídas no jogo são clássicos de guitarra como “Enter Sandman”, “Fuel”, “Ride the Lightning”, “Master of Puppets”, “The Unforgiven” e “Wherever I May Roam”.
A aquisição da Harmonix pela Epic Games destaca a importância da música como uma experiência única para os jogadores. Embora o Fortnite Festival tenha algumas críticas negativas, ele ainda assim preenche a lacuna entre música e video games. O conceito é certamente uma adição bem-vinda à maneira como a música é incorporada aos video games.
Música Rock e Metal-Adjacente em Video Games
Alguns jogos têm claras influências de rock e metal. Dark Souls, The Witcher, Path of Exile, Killing Floor 2 e Metal Gear Rising: Revengeance têm o tipo de trilha sonora que não está estritamente dentro dos domínios do rock e metal.
No mundo de Path of Exile, a trilha sonora define distintamente o tom de seus ambientes sombrios e ameaçadores. Embora não se aventure diretamente nos reinos do rock ou metal, a trilha sonora, composta por Kamil Orman-Janowski, tece uma rica tapeçaria de elementos atmosféricos e orquestrais que ressoam bem com os temas sombrios e místicos do jogo, assim como o complexo e vital papel da moeda de POE dentro da economia do jogo.
Street Fighter também incorporou elementos de música pesada em algumas de suas trilhas sonoras. Por exemplo, “Precious Heart” de Street Fighter EX plus alpha tem um som pesado claro, com guitarras dominando metade da instrumentação. O quinto jogo da série principal, Street Fighter V, apresentou uma música “djent” pesada para a música do menu principal do jogo. Isso pode ser alterado para uma música mais suave.
Músicas com humores mais sombrios, como o synthwave, podem ser consideradas um gênero adjacente ao rock. O jogo móvel PinOut apresenta uma trilha sonora synthwave composta por Douglas Holmquist. Apesar de suas melodias dançantes, as músicas têm um som relativamente sombrio.
O aclamado jogo de ação-RPG Transistor apresenta influências de rock ambiente e pós-rock por seu compositor Darren Korb. “Old Friends” é uma música característica do jogo que apresenta o som melancólico do pós-rock..
O Impacto da Música Rock e Metal Dentro (e Fora) dos Video Games
A música rock e metal tem um impacto duradouro nos video games. Várias empresas as incluíram em suas trilhas sonoras, enquanto compositores continuam a criar música fundindo os sons desses gêneros ao seu próprio estilo.
Fora dos video games, músicos e bandas tendem a fazer covers ou rearranjos de músicas de video games. Por exemplo, a banda Metroid Metal, cujos covers das músicas de Metroid têm sido populares entre os fãs. Super Mario Brothers também tem rearranjos mais pesados feitos por bandas. Lembro-me dos meus dias de juventude de uma paródia de uma música no ritmo de “Smells Like Teen Spirit” do Nirvana, mas as letras foram tiradas diretamente da tradução incorreta do inglês da cena de abertura do clássico jogo de Sega Genesis, “Zero Wing”, apropriadamente chamado de “All Your Base Are Belong to Us”.
Talvez o impacto mais duradouro da música rock e metal nos video games seja a fusão de instrumentos tradicionais e eletrônicos para criar um som único. Embora isso não seja exatamente um exemplo de música de video game, a banda americana de chip-rock Anamanaguchi declarou claramente que os video games são uma de suas principais inspirações. Fazendo e tocando música usando guitarras, baterias e Game Boys, a banda alcançou a popularidade cruzada tanto da música pesada quanto dos video games. Na verdade, todo o movimento “chiptune” é diretamente inspirado na música de video games.
A série Animal Crossing da Nintendo apresentou arranjos de rock de músicas de seu amado cão cantor, K.K. Slider: “K.K. Metal” e “K.K. Rock”. O jogo também apresenta um gato que se veste como uma estrela do rock (Katt). Em New Horizons, o jogador pode adquirir instrumentos musicais e “tocá-los”.
Eu poderia listar mais, mas o ponto é claro: a música rock e metal nos video games é uma parte inseparável da cultura popular.